Arquitectura del aire (nubes rosas 2)

Luminarium Levity II (Architects of Air)
A veces lo que buscas no lo encuentras y dias más tarde, la casualidad te lleva hasta ello o a hasta algo mejor, no se, suele formar parte de la rutina de trabajo de los artistas (no es mi caso, porque no lo soy), no se si era Le Corbusier o Picaso el que decía, que si nos toca la inspiración, mejor que nos coja trabajando.

Luminarium Levity es un arquitectura efímera de aire inspirada en arquitecturas persas e indias. Dentro el visitante puede encontrar toda una serie de espacios donde la luz y el color lo envuelve en una atmósfera mística.

Amor, pasión, dolor..

Arte - Los amantes (Pongolini)

Giuseppe Pongolini, profundiza en los parámetros constitutivos de los sueños y la mente, en los instantes y en los sentimientos, buscando plasmar las temáticas menos representadas en el arte, alejándose del concepto clásico de belleza.
Su intención es encontrar los parámetros definidores de la dialéctica de la vitalidad encontrada, que se asientan tanto en el dolor como en la estética, en los instantes placenteros y en la libertad fugaz.
El dolor, la sangre, el sufrimiento, planteado en su escultura con intencionalidad expresionista, con influencias simbolistas y surreales, todo, en su conjunto, exhibe un trabajo de la forja del hierro muy controlado, en el que también interviene el color, dentro de una cierta equidistancia, para potenciar la plasticidad y aumentar el aspecto circunstancial de la escultura.
El hierro como material procedente de la pasada revolución industrial, símbolo de la industria pesada, de las grandes máquinas y engranajes de producción. El hierro como elemento matérico, clave central de arquitecturas, edificios, fábricas, complejos industriales, barcos, aviones y maquinaria de guerra.
El hierro se convierte, de esta forma, en el instrumento del horror, en el símbolo del progreso pero también de lo nefasto y grandilocuente. Los clavos, también de hierro, forja de imperios, sostenedores de guerras, elementos-iconos del martirio de Jesucristo, del martirio de tantos emigrantes, del dolor, en suma. De ahí su potenciación de la individualidad de lo efímero, inundándolo de pasión, porque la esencialidad dura lo que un instante en el macro-universo.
En esta escultura, los amantes, vemos como la pasión une los cuerpos, pero el amor y la pasión se desatan en llantos de dolor y rabia, dañandose unos a otros con sus propios cuerpos y palabras.

Arquitectura - La mayor obra construida por amor, el Taj Mahal, Agra

El emperador mongol, Shah Jahan sufrió la pérdida de su segunda esposa Arjumand Banu Begam (la más amada por él) tras dar a luz a su decimocuarto hijo durante una campaña militar en Burhanpur.

Tal era el amor que sentía el emperador hacia ella que mandó construir el mausoleo más hermoso jamás construido, el Taj Mahal. La construcción de esta magnífica obra arquitectónica duró 22 años (1631-1653), y fueron necesarios 22.000 trabajadores y más de 1.000 elefantes para transportar los materiales traídos de todos los rincones.
El Taj Mahal, cuyo significado es "Palacio de la Corona", se erige como una de las joyas más bellas de la humanidad, construida enteramente con mármol blanco. Su diseño basado en las tradiciones india, persa e islámica ha inspirado a poetas y escritores de todo el mundo: "No es una pieza de arquitectura, como lo son otros edificios, sino las orgullosas pasiones del amor de un emperador labradas en piedras vivientes."

Las consecuencias de la construcción de esta obra de amor fueron la ruina económica del Imperio generada por los altísimos costes de la construcción, esto favoreció que el hijo del emperador, Aurangzeb le derrocase y encerrase en el Fuerte de Agra hasta el final de sus días.

Desde su encierro Shah Jahan pudo contemplar su maravillosa obra de amor hasta su muerte.

Algo para comer - O tal vez para curar...Pomada de cacahuete con tostadas a la miel (ElBulli)

Una peculiar pomada, que muchasveces es posible que sea más efectiva que cualquier otra medicina, que mejor que algo dulce para curar las penas?

Ese nosequé - Frida Kalho, la mujer que convirtió el dolor en pintura

Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón siempre dijo que nació en el año de la Revolución Mexicana, 1910; lamentablemente para ella, no fue así, pues la famosa pintora mexicana vio la luz el 6 de julio de 1907 en la Casa Azul de Coyoacán, al sur de la ciudad de México.Marcada por el sufrimiento físico, a los seis años fue víctima de la poliomielitis, que le dejó una secuela permanente: una pierna derecha mucho más delgada que la izquierda.

A los 16 años, el 17 de septiembre de 1925 sufrió un grave accidente de autobús que la dejó con lesiones en su columna vertebral quedó fracturada. El aburrimiento que le provocaba su convalecencia la llevó a empezar a pintar en 1926 su primer autorretrato.
En 1939, expone en París en la galería Renón et Collea, y su estancia en la capital francesa la llevó a relacionarse con Picasso y a parecer en la portada de VOGUE. Para entonces, Frida ya era conocida en todo el mundo.

En 1953 la Galería de Arte Contemporáneo del DF le organiza una importante y destacada exposición, que por motivos de salud los doctores le prohíben asistir. Pero Frida no se resignó a perdérsela, así que llegó al lugar en una ambulancia y en su cama de hospital. Meses después, debido a una infección de gangrena se le tuvo que amputar parte de la pierna derecha. Esto la sumió en una gran depresión que le llevó a intentar suicidarse.
Finalmente, el 13 de julio de 1954 murió en su casa de Coyoacán.

Sus últimas palabras en su diario fueron: “espero que la marcha sea feliz y espero no volver”.

Su obra
La obra de Frida es absolutamente personal, creó una pintura ingenua, metafórica al mismo tiempo, derivada de su exaltada sensibilidad y de varios acontecimientos que marcaron su vida.
Sus cuadros son representaciones de su realidad, en decenas de autorretratos plasmó sus unidas cejas negras y su bigote y los sufrimientos físicos marcaron su vida y obra.
Primero fue realista y poco después, a causa de la intensidad de sus sentimientos y de un cuerpo destrozado, pintó más y más su propia imagen combinada con expresiones oníricas a veces brutales.
También, el trabajo de Frida ha sido definido como surrealista, al respecto una vez ella comentó que nunca había pensado en que ella era una surrealista “hasta que André Bretón vino a México y me lo dijo” en 1939.
“Como mis temas han sido siempre mis sensaciones, mis estados de ánimo y las reacciones profundas que la vida ha producido en mí, yo lo he llevado objetivamente y plasmado en las figuras que hago de mi misma, que es lo más sincero y real que he podido hacer para expresar lo que yo he sentido dentro y fuera de mí misma”.

Siempre quiso que su obra fuera una afirmación de su identidad mexicana y por ello recurría con frecuencia a técnicas y temas extraídos del folklore y del arte popular.
Hoy en día, Frida Kahlo es conocida en todo el mundo como la mejor y más famosa pintora mexicana.

Nubes rosas

La primera reivindicación de la escuela de arquitectura de alicante, fue la llamada huelga por la nube rosa. Cierto sector de los alumnos estaba realizando proyectos los cuales nunca creia posible su materialización. Pensaban que su trabajo estaba totalmente en el mundo de las ideas y que al salir a la realidad esta los iba a colocar en su sitio y que iban a estar en desventaja con el resto de escuelas. Y a mi modo de ver tenían razón, no por el planteamiento que realiza esta escuela de arquitectura, sino por la desorientación de los alumnos. Para poder llevar a cabo esta manera de trabajar, hay que creer en lo que se esta haciendo, porque al final lo que cambia lo que nos rodea es la materialización de los sueños de esos pocos que si que se atrevieron, de los que creyeron.

Por eso me parecía interesante empezar con una material de trabajo que no es común, el Aire. Quería mostrar los proyectos de gente que si que fue capaz de materialiar esa "nube rosa".



Arte - Peine de los vientos (Eduardo Chillida)
En este caso nos referimos a la serie de esculturas que se encuentran en el fondo del paseo de San Sebastian, configurando una operación escultórica y urbanistica. Creo que es en este lugar donde cobran sentidos, donde la brisa fluye a través de sus formas abiertas y libres, "peinándola" literalmente. Es una obra que interactúa con la naturaleza, y la utiliza como material de trabajo.




Arquitectura - Blur (Diller + Scofidio)
Esta obra se realizó para la Expo 01 en el Lago Neuchâtel (Suiza). La idea era crear un pabellón mediático construido de la "nada" a partir de los elementos en los que se asienta: aire + agua. La arquitectura visible iba a ser la nube de aire y agua mientras que la estructura debia ser lo más inmaterial posible y se recurrio a sistemas suspendidos por tensegridad.



(como no me deja poner la imagen, momentáneamente dejo esta donde si que aparece la imagen del plato)
Algo para comer - Aire helado de parmesano con muesli (El Bulli)
El restaurante El Bulli dirigido por Ferran Adrià cuenta con un departamento de investigación dedicado a una nueva manera de entender la manera de comer, buscando siempre nuevas texturas y sabores. Para ello no dudan en utilizar cualquier elemento para conseguir estos efectos y en este caso utilizan el aire para crear este postre.




Ese noseque - Pompas de jabón de colores (Tim Kenhoe)
Son unas pompas de jabon de colores que al estallar no son tóxicas y no manchan, para ello se requirieron años de investigación, desde 1989 hasta el 2005 y tras miles y miles de pruebas. El resultado es un producto divertido que ya se comercializa como un nuevo juguete.

Guiño rebelde al conocimiento

Francesc Guillamet www.elbulli.com

SOPA DE LETRAS - POSTRE 2004 - EL BULLI.
Pensaba que este primer postre podria mostrar una manera de hacer las cosas diferente, desde la visión de un niño, desde esa mirada curiosa e inocente que se cuestiona en cada momento lo que tiene entre manos. En cierta manera el trabajo creativo contiene parte de esta filosofía, una mirada fresca y no contaminada por la cultura.

un para qué, un cómo y un no sé qué

un para qué, un cómo y un no sé qué

He llegado a la conclusión de que las soluciones técnicas son las que dan pie a soluciones formales que puedan tener interés, porque, si no, salen unas formas que tienen un origen más literario que el propiamente formal arquitectónico. Yo el problema estético me lo planteo el último, cuando otras cosas que son prioritarias se cumplen en el principio del proyecto. Cuando estudié dos años de exactas, dentro de la carrera de arquitectura, dábamos química y haciamos unos trabajos prácticos: nos daban un frasquito con un elemento y teniamos que seguir una marcha analítica para averiguar qué era. Algo de eso es lo que yo hago cuando me encargan un proyecto de arquitectura: empezar con plantear para qué sirve esto, dónde está -y esto el movimiento moderno lo quiso voluntariamente olvidar-, cómo crearía yo los espacios que me piden en el programa, o sea: cómo construir de la forma más lógica y económica. Con todos esos datos ya concretados, cabe la posibilidad de dibujar algo que pudieran ser los volúmenes que esos espacios han creado. La arquitectura es, como decía Lao Tse, el aire que queda dentro. Ahora lo que nosotros vemos es lo que utilizamos para dejar ese aire dentro. Y eso ya se puede representar gráficamente y es entonces cuando se pueden utilizar las posibilidades de una forma que has impuesto tú. Es lo que yo llamo un “nosequé”, qué es esto que ya es, cómo lo coloco lo pongo y lo veo para que lo haga bien, suponiendo tener un conocimiento de la estética que sea lo suficientemente sólido para transmitirlo. Eso es lo que se llama educación del gusto, para lo que hay que ver mucho y estudiar mucho

(Entrevista a MIGUEL FISAC en El Mundo, 26 de octubre 2003).